シンプルの正体 ディック・ブルーナのデザイン展

誰もが知っている「ミッフィー(うさこちゃん)」シリーズを手がけた絵本作家、ディック・ブルーナ(1927~2017)。オランダ・ユトレヒト生まれのブルーナは、グラフィックデザイナーとしても活躍していました。シンプルでありながら、あたたかく、ユーモアのある作品のかずかずを、松屋銀座で見ることができます。
<会期:2017年4月19日(水)~5月8日(月)>

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ブルーナの家は代々、出版社を経営しており、ブルーナは1951年、父親の会社でデザイナーとして働きはじめます。初期のブルーナの仕事で忘れてはならないのは、ブルーナ社が1955年から発売した「ブラック・ベア」シリーズと呼ばれるペーパーバックの表紙デザイン。推理小説を中心としたこのペーパーバックの表紙デザインを、約20年間で2000冊以上も手がけています。

「ブラック・ベア」シリーズを宣伝するため、駅や書店に貼られたポスターも、ブルーナの手によるもの。1956年から1971年まで制作されたポスターには、愛らしい読書好きの熊がキャラクターとして登場します。目が赤いのは読書をしすぎたから、というのもかわいいですね。

雨の日も雪の日も、どんな天気でもブラック・ベアを読む熊。気持ちよく寝ころんで読む熊。窓越しに見える、読書する熊。人を振り向かせるアテンションがありながら、親しみやすく人間味にあふれるポスターは、今見てもとても魅力的です。

2017年4月、「クマくんが死んだ」というブルーナの未発表絵本が出版されました。ブラック・ベアのポスターに登場する熊の絵を使用し、読書が好きだったクマの死を悼むという内容です。2011年に制作されたものの、死後に出版されるのがふさわしいと見送られたといいます。2017年2月のブルーナの死後に出版されることになった、この悲しみの絵本は、関係者だけに贈られ市販の予定はないとのことです。

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松屋銀座

テーマ:美術館・博物館 展示めぐり。 - ジャンル:学問・文化・芸術

花森安治の仕事 デザインする手、編集長の眼

花森安治(1911~1978)が1948年に創刊した雑誌「暮しの手帖」は、公正な記事を掲載するため、一切広告を入れずに発行されたといいます。終戦まもない時代に、工夫とアイディアによる豊かな暮しを提案。リンゴ箱から作った子ども机や、着物の仕立て方「直線裁ち」で作ったワンピースなど、工夫次第で驚くほどモダンに仕上がること、そして、それを大切に使えばよいことを教えてくれました。

電化製品が普及すると、トースターやアイロン、洗濯機などの徹底的な商品テストを敢行。トースターのテストのために、食パンを43088枚焼いたというエピソードがあるほどです。戦争を体感した花森にとって、日々の暮しを美しくすこやかに営むことは何よりも大切であり、そのための情報であれば、全身全霊をかけて伝えていたのでしょう。

「暮しの手帖」の表紙画から、カット、レイアウト、取材、執筆、広告まですべてを手がけた花森の30年の仕事を振り返る展覧会が、世田谷美術館で開催されています。
<会期:2017年2月11日(土)~4月9日(日)>

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雑誌の顔ともいえる表紙原画も多数展示されています。ヨーロッパを連想させるような家具や調度品を描いた初期の表紙画。簡素化された線と明るい色彩で、身の回りの物をグラフィカルに配置した表紙画。暮しを創造する主役である女性を描いた表紙画。「暮しの手帖」のロゴが配置されると、どれもキリリと引き締まり、味わい深い独特の情感が感じられます。

1937年召集された花森は、満州に渡るも結核にて帰国。1941年、大政翼賛会の宣伝部で国策宣伝に従事します。似つかわしくないように思われますが、「もう二度と、こんな恐ろしい戦争をしない世の中にするためのものを作りたい。」と語るきっかけになったのかもしれません。戦争をしない世の中にするために必要なものは、ひとりひとりが自分の暮しを大切にすることだったのですね。

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暮しの手帖展を設営する花森安治(1950)

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世田谷美術館

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N・S・ハルシャ展 -チャーミングな旅-

力強い色彩で水玉や網目が無限に増殖する草間彌生(1929~)の世界に対し、インド現代美術界で活躍するN・S・ハルシャ(1969~)は、やわらかな色彩でモチーフを反復して描きます。画面いっぱいにたくさんの人を描いても、同じ人は二人といません。表情、しぐさ、衣服など全て異なる人々が、世界の縮図のように描かれます。

故郷である南インドのマイスールを拠点に、人物や動物、宇宙などのモチーフをユーモラスに、またシニカルに反復して描く、N・S・ハルシャの大規模個展が森美術館で開催されています。
<会期:2017年2月4日(土)~6月11日(日)>

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表現スタイルを確立する契機となった作品は、「私たちは来て、私たちは食べ、そして私たちは眠る」(1999-2001)と題した3点組の絵画。
無数の人々がどこからか、川を渡ってやって来ます。
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人間の根源的な活動である、食べることと眠ること。眠ることは、宇宙と一体になる儀式だといいます。
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「ここに演説をしに来て」(2008)は、6枚のキャンバスに2000人以上の人が描かれています。よく見ると、フリーダ・カーロ、考える人、宇宙服を着た人、鳥人間やゾウ人間なども。
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「ピーチクパーチク」(2014)では、鳥人間が望遠鏡と顕微鏡をのぞいています。宇宙の星など、どこまでも遠くを見る望遠鏡と、細胞などどこまでも細部を探求する顕微鏡。哲学的な世界観なのかもしれません。
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「ふたたび生まれ、ふたたび死ぬ」(2013)は、全長24mを超える、大きな一筆書きのような絵画。黒の曲線の中には、宇宙の星がびっしりと描かれています。連続した宇宙空間のようにも、輪廻転生のようにも。
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インスタレーション「空を見つめる人びと」(2010)は、空を見つめる人々が床に描かれ、天井の鏡に映っています。中に立って、上を見上げると、鏡に映った人々といっしょに空を見つめているように感じられます。下の写真は天井の鏡に映った人々です。
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インドの歴史、文化、そして宇宙へのチャーミングな旅。見れば見るほど発見のある旅にいらっしゃいませんか。

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森美術館

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田沼武能肖像写真展 時代を刻んだ貌

写真家田沼武能(1929~)は、東京・浅草生まれ。小学3年の時に中国と戦争が始まり、中学2年になると軍需工場に駆り出され、教室での勉強など無きに等しかったといいます。私の青春は、戦争と敗戦の混乱で埋まっているとも。

サンニュース社に入社した田沼が「藝術新潮」の嘱託として、日本画の巨匠横山大観の撮影をすることになったのは、21歳のとき。以降、フリーランスになってからも、数えきれないほどの人物写真を撮り続けてきました。文士、芸術家、文化人等、65年以上も「貌」に魅せられてきた田沼にとって、1対1で対象と対峙し、話を聞くことのできる写真は、学ぶチャンスを与えてくれたきっかけ。「貌」には、その人の歴史、その人の心、内面までも写し撮ることができると考えているそうです。

そんな田沼がとらえたポートレート80点を、練馬区立美術館で見ることができます。
<会期:2017年2月23日(木)~4月9日(日)>

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はいつくばってバレンを動かす棟方志功(1953)、五線紙にペンを走らせる武満徹(1967)など、作品を生み出さんとする芸術家の姿。背広に着替えて待っていたという永井荷風(1953)、パレットを手にし、カメラにはにかんだような目を向ける熊谷守一(1954)など、やさしい表情。「オールドパー」が見える棚の前で、煙草「いこい」をくゆらせる吉田健一(1966)、書棚の前で知性が光る柳田國男(1956)など、個性的で「ならでは」の表情。

記憶にある人もない人も、昭和の文化をつくりあげてきた人間ならではの味わいを見せる写真群に、魅せられてみませんか。

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時代の風貌

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練馬区立美術館

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草間彌生 わが永遠の魂

「世界で最も影響力のある100人」(2016年・米タイム誌)に日本人で唯一選ばれた草間彌生(1929~)は、日本が誇る不世出のアーティストといってもよいでしょう。1957年に渡米し、作品だけでなく、「ハプニング」と呼ばれるパフォーマンスでも話題に。帰国後も、ロンドンのテート・モダンやパリのポンピドゥ・センターでの個展を成功させ、2012年のルイ・ヴィトンとのコラボレーションでは、ニューヨーク5番街にあるルイ・ヴィトンビルのショーウィンドウにものすごい人垣ができたそうです。

そんな草間の初期作品から最新作までが、国立新美術館に集結しています。
<会期:2017年2月22日(水)~5月22日(月)>

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巨大な空間に足を踏み入れると、壁が色とりどりの大作絵画で埋め尽くされています。草間が2009年より描き続けている「わが永遠の魂」と題する連作です。

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1辺が2m近い正方形のカンヴァスには、眼や横顔といったモチーフや、うねる線、さまざまなかたちの色面が描かれ、色鮮やかにメッセージを伝えます。単色を下塗りしたカンヴァスに、アクリル絵具で下書きなしで描いていくのだとか。作品数は500点に及び、本展では約130点が日本初公開となっています。イメージされているのは、宇宙、生と死、そして愛など。少女時代から幻覚や幻聴に悩まされていたといいますから、鮮やかな色合いで表現されてはいるものの、すべてがHAPPYなメッセージではないのかもしれません。ですが、圧倒的な存在感で迫る作品群が、心を満たし、リセットし、何か新しい力を与えてくれるように感じられます。

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1950年代の暗い色合いの油彩は、絶望感が漂うよう。ニューヨーク時代に生まれた、突起物を貼り付けた椅子や梯子は、なぞの生命体を思わせます。そして、「死の海を行く」(1981)と題された、突起物に覆われたボート。「最後の晩餐」(1981)は、赤、緑、黒などを地にした水玉の布の突起物で作られたテーブルと椅子のセット。テーブルの上には、ポットや果物かごが置かれています。展示のラストは、草間の代名詞ともなった「かぼちゃ」(1999)です。

「芸術と制作に命がけで戦っている」という草間は、「死ぬまで戦い続けたい」とも。創造の意欲と芸術への希望に溢れた草間の魂に、心地よく圧倒されます。

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国立新美術館

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心が豊かになるアートを見つけに飛び立つ青い鳥です。

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