芹沢銈介の世界展

型絵染の人間国宝として知られる芹沢銈介(1895~1984)。柳宗悦(1889~1961)を通じて民藝に触れ、用と美の出会いを求めるようになりました。沖縄の紅型に感銘を受け、技法を学んでもいます。独自の色彩と造形による明るく自由な作風は、染色作家をいう枠を超え、見る者を魅了します。生誕120年を記念した展覧会が横浜高島屋ギャラリーで開催されています。
横浜高島屋 2014年9月25日(木)~10月6日(月)
京都高島屋 2015年1月7日(水)~1月19日(月)
大阪高島屋 2015年1月21日(水)~2月2日(月)

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まず展示されているのは、文字を意匠化した屏風、のれん、着物などの作品。「福の字のれん」(1955)は、竹、大振りの花をあしらいながら、「福」の文字を表現。藍地に、白で縁取られた朱、からし、緑、青の色彩が、すっきりとした印象で目を惹きます。

「布文字春夏秋冬二曲屏風」(1965)は、細長い布をくねらせ、「春」「夏」「秋」「冬」の文字を表現。文字を囲むように、蝶、朝顔、ぶどう、梅など季節の風物が描かれています。茶系でまとめられた色彩がシックで、モダンな印象。

「いろは文六曲屏風」(1958)は、1文字ずつ5色を交互に用い、「い」「ろ」「は」・・の文字を表現。文字のそばには、にわとり、ぼたん、へい等、その文字からはじまる風物が。鮮やかな色彩で、楽しい屏風です。一面に「い」「ろ」「は」・・の文字が連なり、一見、唐草模様のように見える着物「いろは文着物」(1954)も。

植物など伝統的なモチーフも意匠化され、3枚ののれんの真ん中に、空に向かってのびる1本の筍をあしらった「筍文のれん」(1955)は、潔い印象。「縄のれん文のれん」(1955)は、10数本の縄をゆったりとひとつに結んだ結び目を、象徴的に表現した藍染。やわらかな線の流れが美しい作品です。

「ばんどり図四曲屏風」(1957)には、4つのばんどりがあしらわれています。ばんどりとは、藁や布で編んだ農具で、荷を背負う際に使用する背中当のこと。芹沢の手にかかると、抽象絵画のような美しさを放ちます。芹沢が好んだ、アフリカやインドネシア、アメリカの工芸品の趣も。型紙が展示されており、その細かさに息を飲みます。

1976年、パリ国立グラン・パレで、芹沢銈介展が開催されましたが、バルテュス(1908~2001)が芹沢の作品を目にとめたことがきっかけとなったそう。芹沢とバルテュスの交友はその後も続き、バルテュスの節子夫人は芹沢の着物を40年以上、愛用されているとか。

国際的にも評価が高い芹沢の美意識と感性に触れてみませんか。

展覧会のホームページはこちらから
横浜高島屋

テーマ:美術館・博物館 展示めぐり。 - ジャンル:学問・文化・芸術

菱田春草展

菱田春草(1874~1911)は、横山大観(1868~1958)らとともに岡倉天心(1863~1913)の薫陶を受け、明治期の日本画に大きな足跡を残しました。特に、色をぼかして空気を表現しようとした“朦朧体”や、背景描写を省いた画法など、常に新たな画風を展開。生誕140年を記念して、東京国立近代美術館で開催されている回顧展には、重要文化財を含む代表作が集まり、充実のラインナップとなっています。
<会期:2014年9月23日(火)~11月3日(月)>

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日本画の線は境界の線ではなく、意味を表す―。初期の春草は、線描を重視していました。「水鏡」(1897)は、水に映った自分の姿に見入る天女を描いていますが、色の移り変わる紫陽花をあしらい、天女の美しさもいつかは衰えることを暗示しているとか。ふっくらとした頬、アーチ型の眉、すずやかなまなざし。輪郭線と彩色が美しければ美しいほど、悲しみを誘います。

輪郭線を描かず、色をぼかし重ねた“朦朧体”の代表作とされる「王昭君」(1902)。敵国にさし出される女性と、それを見送る女性たち。薄いベールをかけたようなやわらかな色彩で、女性の肌も衣服も透き通るよう。夢見るような気分が漂う作品です。雨後の虹や雨の中の牡丹、かすむ木々の葉や茜色に染まる空などが、同じ表現方法で描かれた作品も。

インドやヨーロッパなどへの外遊後、春草の色彩表現はさらに変化します。「夕の森」(1906)は、夕陽を受けた赤茶色の木々に、鮮やかな青の縁取りが。補色の組み合わせですが、光を受けた中での影の存在が際立つように感じられます。「春丘」(1905~06)に描かれているのは、ピンクと若草色で埋め尽くされた春の丘。さまざまな色彩表現を追求していたことがわかります。

木立と落葉を描いた屏風「落葉」(1909)は、奥の木ほど、根元の位置を上に描き淡い色調とすることで、奥行きを表現。奥の木々が背景に溶け込み空間が広がる様は、長谷川等伯(1539~1610)の「松林図屏風」(16世紀)を彷彿とさせます。

そして、猫。重要文化財の「黒き猫」(1910)は後期展示ですが、柿と黒猫を描いた「黒猫」(1910)や、柿、紫苑と黒猫を描いた屏風「黒き猫」(1910)などを見ることができます。いずれも背景は省かれ、モチーフだけが描かれているため、えもいわれぬ猫の存在感が感じられます。ついに背景が、金地のみとなってしまったのが「早春」(1911)。没年に描かれた作品ですが、金地に配した植物と一羽の鳥のみで構成されています。

100点を超える作品で、春草のさまざまな魅力が総覧できる展示です。

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東京国立近代美術館

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美少女の美術史

子どもでもなく大人でもない、成熟へのモラトリアムともいえる少女期。過ぎ去ってしまう一時期の美しさは、江戸時代の浮世絵から、大正・昭和の少女雑誌、そして現代アートに至るまで、さまざまに表現されています。青森県立美術館、静岡県立美術館、島根県立石見美術館の共同企画として、“美少女”をテーマとした展覧会が開催されています。
青森県立美術館 会期終了
静岡県立美術館 2014年9月20日(土)~11月16日(日)
島根県立石見美術館 2014年12月13日(土)~2015年2月16日(月)

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大正・昭和の少女雑誌は、各時代の少女の心に夢とときめきを与えてきました。大正ロマンの雰囲気漂う高畠華宵(1888~1966)が描く少女は、手足がすらりと長く、ファッショナブル。華麗な絵柄に魅了されます。戦後、編集者としても活躍した中原淳一(1913~1983)の少女は、憂いを含んだ大きな瞳で、可憐な印象。中原の継承者とされる内藤ルネ(1932~2007)は、頭や顔のバランスをキュートに見えるようデフォルメし、快活な少女像を演出。さらにファンシーで軽やかなタッチにキュンとなる、水森亜土(1939~)の少女たち。歌いながら両手でさらさらとイラストを描く水森の姿を、テレビで見た記憶を持つ方もいらっしゃるのではないでしょうか。

そして、1970年代後半から1980年代前半にかけての少女漫画誌「りぼん」の付録。本誌でも「乙女ちっく」漫画がブームとなり、陸奥A子、田淵由美子、太刀掛秀子といった漫画家の名前を列挙するだけで、甘酸っぱい思いが押し寄せます。

絵画では、霜鳥之彦(1884~1982)の「少女(休憩)」(1926)。ヴァイオリンの練習の途中で、ベッドに寝ころび譜面を見る少女。白のシンプルなワンピースで片膝をたて、無防備なその姿は、バルテュス(1908~2001)の「夢見るテレーズ」(1938)さながら。

1920年代には都市部で生活の近代化が進み、夏は水泳、冬はスキーといったレジャーが発達したとのことですが、描かれたモダンガールは戦前とは思えません。榎本千花俊(1898~1973)「口紅を描く」(1935)は、ブルーのスキーウエアの少女がコンパクトをのぞき、口紅を塗り直しています。菊池華秋(1888~1946)「雪晴」(1938)の少女は、真っ赤な帽子とパンツ姿で、颯爽とゲレンデを滑走。なんとも勇ましい美少女たちです。

現代アートでは、根付の世界に美少女モチーフを導入した永島信也(1986~)。鳳凰の羽や布に包まれ、それと一体化した少女たちは、掌の女神のよう。ob(1992~)の大きな黒目がちの瞳と小さな口の少女は、どこかはかなげで、何かを訴えるような表情。一度見たら忘れられません。

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何者かになる前の、過渡期の美しさに満ちた少女の存在を、さまざまな時代のさまざまなジャンルの作品からみつめる展示です。

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静岡県立美術館

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いわさきちひろ×佐藤卓=展

ちひろ美術館・東京は、いわさきちひろ(1918~1974)が22年間を過ごした、練馬区下石神井の自宅兼アトリエ跡にあります。1997年から使用されている美術館のシンボルマークは、グラフィックデザイナーである佐藤卓(1955~)が手掛けたもの。練馬区生まれの佐藤は、幼少の頃、武蔵野の雑木林や石神井公園で遊び、その記憶がちひろの描く世界と重なるといいます。

ちひろ没後40年に際し、佐藤がちひろの展覧会をプロデュース。「明治 おいしい牛乳」「ロッテ キシリトールガム」などの商品デザインで知られる佐藤は、どんな“ちひろ”を見せてくれるのでしょうか。
<会期:2014年8月6日(水)~11月3日(月)>

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佐藤卓が選んだちひろの絵―。ひとつは、ちひろの描く線画。ちひろといえば、淡い色調の水彩画を思い浮かべますが、鉛筆や墨、Gペンなどで描かれた線画が並んでいます。それは、ヨーロッパの街並みや安曇野などの風景、野の花やすすき、桜の枝、打ち寄せる波や浜辺の貝など、実にさまざま。「ちひろの絵は、確実なデッサン力の上に成り立っており、一見簡単そうに見える淡い絵も、デッサン力なくしては描けない」という、佐藤の言葉がよく理解できます。描かれた線の豊かな表情も魅力です。

もうひとつは、ちひろの描く子どもたち。ちひろは生涯のテーマとして、子どもを描き続けました。指をくわえておもちゃを見る赤ちゃん、風船とともに舞い上がる少年、黄色い傘をさした後ろ姿の少女。時代を超えて共感を生む、子どもたちの世界が広がっています。

「ちひろ×佐藤卓の実験室」のコーナーでは、ひとつひとつの箱の中に、ちひろの絵と、その絵を見て佐藤がインスパイアされたものが置かれています。愛らしい子どもの絵と丸い石、貝がらと海の絵と砂時計、手に包帯をした横顔の少女の絵とバラのドライフラワー。ちひろの絵から発展した、新たな世界を感じることができます。(このコーナーのみ、撮影可能です。)

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美術館には、この下石神井の自宅にあった、ちひろのアトリエ(1972頃)が再現されています。ちひろの弾いたピアノ、大ぶりの木の机、壁一面の本棚。今にもちひろが顔を出しそうな、そこだけ時間が止まった空間です。

いわさきちひろが、美術館ごと堪能できます。上井草の駅から電柱のサインをたどって、訪ねてみてはいかがでしょうか。

展覧会のホームページはこちらから
ちひろ美術館

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だまし絵Ⅱ 進化するだまし絵

嘘か誠か、現実と虚構空間の境目をあいまいにする「だまし絵」。2009年にBunkamuraザ・ミュージアムで開催され好評を博した「だまし絵」展が、「だまし絵Ⅱ」として蘇りました。古典的な「だまし絵」だけでなく、20世紀後半以降の前衛的な作品も多数、見ることができます。
<会期:2014年8月9日(土)~10月5日(日)>

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前回、今回ともメインビジュアルに使用されているのは、アルチンボルド(1526~1593)の作品。今回の「司書」(1566頃)は、髭の男性の肖像画にも、積み重なった本の絵にも見えるダブル・イメージ。頭と身体は本、手は本のしおり、髭ははたきで構成されています。実在の博学な人物を「本の虫」として茶化しているのだとか。

クリストフェル・ピアーソン(1631~1714)の「鷹狩道具のある壁龕」(1660年代)は、壁のくぼみに道具が置かれていますが、くぼみの奥にうつる影が奥行きを感じさせ、手前にあるものが飛び出して見える不思議な絵。実物大で描かれていることで、本物感が増しています。

現代のだまし絵は、絵画にとどまりません。福田繁雄(1932~2009)の「アンダーグラウンド・ピアノ」は、何ともつかない造形の集合体が、鏡に映すとグランドピアノに見えるという作品。ラリー・ケイガン(1946~)の「蚊Ⅱ」(2007)、「トカゲ」(2008)も、金属線の抽象的な造形なのに、ある決まった位置から光をあてると、影が蚊やトカゲの形に見えます。

パトリック・ヒューズ(1939~)の「広重とヒューズ」(2013)は、凹凸のある立体絵画ですが、鑑賞者が左右に動くと平面に見え、描かれているイメージが動いているように見えるイルュ―ジョン。脳の中で切り替えができなくなり、立体なのか平面なのか、よくわからなくなります。

おなじみのルネ・マグリット(1898~1967)、ダリ(1904~1989)、エッシャー(1898~1972)なども展示され、魔訶不思議な世界が展開します。自由な気持ちで体感したい展覧会です。さりげなく片隅に、だますように展示されている須田悦弘(1969~)の作品も、ぜひ、見つけてくださいね。

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Bunkamuraザ・ミュージアム

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木版ぞめき 日本でなにが起こったか

「ぞめき」とは、江戸言葉で「騒ぎ」という意味。日本の伝統木版は、時代時代で人々を魅了し、騒がせてきました。江戸時代に考案された木版画ですが、2011年より国際的な意見交換の場として、摺師、研究者、紙屋、道具屋等が集まり、国際木版画会議が開催されています。本年開催の第2回会議は、東京藝術大学がホスト校。特別企画展を東京藝術大学大学美術館において見ることができます。
<会期:2014年8月30日(土)~9月14日(日)>

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会場に入ったとたん魅了されるのは、恩地孝四郎(1891~1955)「美人四季」(1927)。春眠なのか、頬杖をついてまどろむピンクの肌の春美人。入浴なのか、裸で髪に手をやるグリーンの肌の夏美人。草笛なのか、草を口にするオレンジの肌の秋美人。黒のコートに顔をうずめる、黒猫を抱いた白い肌の冬美人。竹久夢二と交流があったとのことですが、モダンな味わいで、女性の魅力が香りたちます。

モダンといえば、アンリ・マティスに師事した硲伊之助(1895~1977)「裸婦」(20世紀)。ベッドに横たわる無防備な女性と、パンなどをのせた傍らのトレイ。女性は膝をたてて、ピンクの片足があらわになっていますが、シャープな線とモダンな画風のため、なまめかしさを感じません。壁紙の表現もマティス風です。

大正時代に木版で制作された千社札やポチ袋も展示されています。ポチ袋は、紅色、茶色、紫色と色ごとに60枚が並べられ、ひとつひとつの名刺大の小世界が楽しめます。人物や植物のあしらいや、模様と色彩の組み合わせなど、デザインには当時の創意が凝らされています。

大正時代につくられた「綾錦」は、内外古今の名物裂の名品を木版で再現した全集。裂そのもののような出来栄えで、名人にしか摺ることができなかったといいます。

大未来予想図絵として、現在の木版画を展示したコーナーも。梅村圭(1986~)の作品は、アニメにでてくるような少女たちを透かせて、骸骨がポーズをとっているように表現。ツツミアスカ(1980~)は、木版画とインクジェットプリントなどを組み合わせたミクストメディア。ひとくちに木版画といっても、モティーフも技法も多様化し、表現の可能性が広がっています。

展覧会のホームページはこちらから
東京藝術大学大学美術館

木版画に興味のある方は、こちらの記事もぜひ
魅惑のニッポン木版画

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橋本コレクション 指輪

私たちにとって、もっとも身近な宝飾品である指輪。装飾だけでなく護符や印章にも使用され、その起源は、紀元前3000年紀のシュメール文明までさかのぼるといいます。個人コレクターである橋本貫志氏(1924~)が、国立西洋美術館に寄贈した約870点の宝飾品コレクションの中から、指輪約300点を紹介する展覧会が開催されています。
<会期:2014年7月8日(火)~9月15日(月)>

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時を超えて輝きを放ってきた指輪だけに、そのデザインは多種多様。ガラスの上に金箔で表された女神、宝石に彫られた肖像、アールヌーボーの植物や昆虫の繊細な造形、精緻なベゼルの装飾、そして、散りばめられたダイヤモンドのきらめき―。次々と現れる指輪のかずかずに、時を忘れて見入ってしまいます。

指輪は、死と婚礼にも深く関わってきました。二つの指輪を重ね合わせるとハートになりますが、中を開くと骸骨が現れるギメル・リング。ギメルとはラテン語で「双子」を意味するそう。幸福と死は、隣りあわせなのですね。

国立西洋美術館ならではの工夫が凝らされているのは、「絵と指輪」「モードと指輪」のコーナー。「絵と指輪」では、ロセッティ(1828~1882)「愛の杯」(1867)、ルノワール(1841~1919)「アルジェリア風のパリの女たち(ハーレム)」(1872)などの所蔵作品が展示されています。絵の中の女性が、指輪を身に着けているのです。

「モードと指輪」では、18世紀から20世紀前半のドレスとともに、同時代の指輪が展示されています。ドレスをまとったマネキンは、日傘を持っていたり、ブローチやイヤリングを身に着けて、当時のモードを再現。ウジェーヌ・ブーダン(1824~1898)の絵画作品「トルーヴィルの浜」(1867)が一緒に展示されていますが、絵の中に描かれた砂浜で遊ぶ女性たちが、すぐそこにいるかのような印象を与えます。しなやかなプリーツが身体を覆うフォルチュニイ(1871~1949)のドレスは、古代ギリシヤ風の衣服の女性を描いたドニ(1870~1943)「踊る女たち」(1905)とともに。指輪とファッション、そして美術との関連性がよくわかります。

他にも、時計がはめ込まれた指輪や蛇とファラオの指輪など、ユニークなモチーフもあり、ひとつひとつの指輪の小宇宙を堪能できます。単眼鏡をお忘れなく。

展覧会のホームページはこちらから
国立西洋美術館

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青い鳥

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心が豊かになるアートを見つけに飛び立つ青い鳥です。

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