ミュシャ展

1860年、オーストリア領モラヴィア(現チェコ東部)に生まれたミュシャ(1860~1939)は、34歳のとき、女優サラ・ベルナールの舞台「ジスモンダ」のポスターが大評判となり、時代の寵児として活躍します。私たちがミュシャときいて思い浮かべるのも、流れるような長い髪をなびかせ、花とともにほほえむ、流麗な女性のポスターなのではないでしょうか。

アール・ヌーヴォーの代名詞ともなっているミュシャが、歴史画の大作を遺しているとは、まったく知りませんでした。スラヴ民族の神話や歴史が壮大なスケールで描かれた「スラヴ叙事詩」は、縦6m横8mにも及ぶ巨大作品、20点の連作。チェコ国外では初公開となる全作20点を国立新美術館で見ることができます。
<会期:2017年3月8日(水)~6月5日(月)>

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フランスで名声を手にしたミュシャは、1910年、50歳のときチェコに戻り、スラヴ叙事詩の制作を開始します。1900年のパリ万博の仕事のために取材したミュシャは、スラヴ民族の貧窮を目にし、チェコ国民やスラヴの連帯感のために、スラヴ叙事詩を構想したといいます。

圧倒されるのは、まず、見上げるような作品の大きさ。巨大なキャンバスは、まるで演劇の舞台のよう。民族の荘厳なドラマが今も演じられているかのようです。しかも細部まで緻密に描きこまれています。

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スラヴ叙事詩には、あるひとつの場面ではなく、異なる時空間が重なって描かれているそうです。下の「スラヴ民族の賛歌」(1926)では、右下の青はスラヴの神話時代、上部の赤はスラヴの英雄が並ぶ中世、手前の黒い影が抑圧された時代、中央には民族衣装で花冠を運ぶ自由と団結を謳歌する人々、そして、新生チェコを象徴する大きく両手を広げた巨大な青年が。

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また、多数の作品で、画面のどこかにこちらに視線を向ける人物が存在します。展覧会のメインビジュアル「原故郷のスラヴ民族」(1912)で、輝く星空の下、怯えた表情を向けるのは、異民族から身を隠すスラヴ民族の祖先。目が合うと、たちまち絵画世界の中に引き込まれます。

ハープを奏でる少女は、ミュシャの娘がモデル。ミュシャは制作時に写真を活用し、家族や近所の人たちにポーズをとってもらって撮影し、組み合わせて構成していたそうです。

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シリーズ制作中の1918年にチェコスロヴァキア共和国が誕生。独立を未来の夢として描きはじめたはずが、現実の方が先に進んでしまいます。1926年に完成をみたものの古臭いとされ、行き場を失い、地方の古城でひっそりと展示されていたとか。

1939年、ドイツ軍がチェコに侵攻し、逮捕されたミュシャは釈放されるも、肺炎の悪化により死去してしまいます。ミュシャ魂の大作20点を眼前にできる幸せに満たされる展示です。

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国立新美術館

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花森安治の仕事 デザインする手、編集長の眼

花森安治(1911~1978)が1948年に創刊した雑誌「暮しの手帖」は、公正な記事を掲載するため、一切広告を入れずに発行されたといいます。終戦まもない時代に、工夫とアイディアによる豊かな暮しを提案。リンゴ箱から作った子ども机や、着物の仕立て方「直線裁ち」で作ったワンピースなど、工夫次第で驚くほどモダンに仕上がること、そして、それを大切に使えばよいことを教えてくれました。

電化製品が普及すると、トースターやアイロン、洗濯機などの徹底的な商品テストを敢行。トースターのテストのために、食パンを43088枚焼いたというエピソードがあるほどです。戦争を体感した花森にとって、日々の暮しを美しくすこやかに営むことは何よりも大切であり、そのための情報であれば、全身全霊をかけて伝えていたのでしょう。

「暮しの手帖」の表紙画から、カット、レイアウト、取材、執筆、広告まですべてを手がけた花森の30年の仕事を振り返る展覧会が、世田谷美術館で開催されています。
<会期:2017年2月11日(土)~4月9日(日)>

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雑誌の顔ともいえる表紙原画も多数展示されています。ヨーロッパを連想させるような家具や調度品を描いた初期の表紙画。簡素化された線と明るい色彩で、身の回りの物をグラフィカルに配置した表紙画。暮しを創造する主役である女性を描いた表紙画。「暮しの手帖」のロゴが配置されると、どれもキリリと引き締まり、味わい深い独特の情感が感じられます。

1937年召集された花森は、満州に渡るも結核にて帰国。1941年、大政翼賛会の宣伝部で国策宣伝に従事します。似つかわしくないように思われますが、「もう二度と、こんな恐ろしい戦争をしない世の中にするためのものを作りたい。」と語るきっかけになったのかもしれません。戦争をしない世の中にするために必要なものは、ひとりひとりが自分の暮しを大切にすることだったのですね。

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暮しの手帖展を設営する花森安治(1950)

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世田谷美術館

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これぞ暁斎!世界が認めたその画力

伊藤若冲(1716~1800)、曾我蕭白(1730~1781)など江戸時代の絵師が注目されていますが、幕末から明治に活躍した河鍋暁斎(1831~1889)の経歴はユニーク。6歳から2年ほど歌川国芳(1798~1861)のもとで浮世絵を学び、その後、狩野派に師事して伝統的な日本画を学びます。通常は何十年もかかる修業を19歳で終え、さらにあらゆる流派を研究。仏画から戯画までさまざまな画題を、さまざまな技法で描き上げ、ひとりの絵師の作品とは思えないほど多彩です。画鬼とも呼ばれた暁斎の画力を、Bunkamuraザ・ミュージアムで体感することができます。
<会期:2017年2月23日(木)~4月16日(日)>

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第1章が「鴉」だけでまとめられていたことも驚きです。明治14年(1881)に「枯木寒鴉図」が第二回内国勧業博覧会で妙技二等賞牌を得、100円という高額で買い上げられたとか。以降、暁斎は多数の鴉図を描き、鴉は暁斎のシンボルとなったそうです。枯木に、柿の枝に、梅に、柳に、と描きまくっています。

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擬人化された動物やかぼちゃなど、あらゆるものに生命を吹き込むユーモラスな魅力も見逃せません。リアルな象や虎なども展示されていますが、「動物の曲芸」(1871~89)では、綱渡りをするコウモリや、ブランコにのるモグラをはじめ、猫もネズミも曲芸を披露しています。「家保千家の戯 天王祭/ろくろ首」(1864)は、かぼちゃたちが花を神輿に見立てて担ぎ、つるから伸びた実がろくろ首に。

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メインビジュアルになっている「地獄太夫と一休」(1871~89)も逸品です。地獄模様の打ちかけをまとった遊女は、自分は地獄にいくしかないと思っていたとか。遊女の横には、三味線をひく骸骨と、その頭に乗って踊る一休。足元の骸骨も踊り狂っています。地獄太夫は一休によって悟りを得たといいますから、踊る一休や骸骨は「死は怖くない」と、陽気にメッセージを送っているのかも。

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他にも、妻の亡骸の写生から制作しただけあって、ゾクリとするリアリティがある「幽霊図」(1868~70)や、丹念に仕上げられた「龍頭観音」(1886)など、本当に多彩な作品がそろっています。

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展示作品はすべて、ロンドンの画商、イスラエル・ゴールドマン氏のコレクション。伊藤若冲のコレクションで知られるジョー・プライス氏のような存在ですね。国内ではなかなか出会えない作品を堪能できるチャンスです。

※写真は主催者の許可を得て撮影しています。

展覧会のホームページはこちらから
Bunkamuraザ・ミュージアム

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マティスとルオー展

20世紀最大の宗教画家と呼ばれるルオー(1871~1958)と、色彩の魔術師と呼ばれるマティス(1869~1954)。それぞれに個性を際立たせるふたりの画家は、パリの国立美術学校でともに学んでいました。指導にあたったのは、聖書や神話を題材とした幻想的な作風のギュスターヴ・モロー(1826~1898)。ふたりの個性を巧みに引き出したといいます。

卒業後もマティスとルオーは、1906年からマティスが亡くなる前年の1953年まで、手紙のやり取りをしていました。展覧会への出品についてや、お互いの健康を気遣うなど、内容はさまざま。ふたりの手紙を紹介しながら、その時期の作品を年代に沿って鑑賞できる展覧会が、パナソニック汐留ミュージアムで開催されています。
<会期:2017年1月14日(土)~3月26日(日)>

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1890年代の初期作品から年代を追って、ふたりの絵画スタイルの変遷を見ることができるのは、みどころのひとつです。マティスの作風が明るく変化するのは、ニースに滞在したという1920年ごろ。海の見える窓辺に立つ女性を描いた「窓辺の女」(1920)には、やわらかな光が満ちています。「肘掛椅子の裸婦」(1920)にも、ストライプのテーブルクロスや花模様の絨毯に、マティスならではの装飾的な趣が感じられます。そして、色を切り取り、リズミカルに配置した「ジャズ」(1947)へ。

一方、ルオーは14歳のとき、ステンドグラス職人の見習いをしており、独自の黒い輪郭線は教会のステンドグラスから発想したのだとか。詩画集「気晴らし」の原画(1943)のさまざまな人物像はどれも味わい深く、15点そろっての展示は世界初とのこと。もちろん、キリストの顔を画面いっぱいに描いた「聖顔」(1939)など宗教的な題材も。

ナチスによるパリ占領期に、ギリシア出身の出版人テリアード(1897~1983)が発行した芸術誌「ヴェルヴ」(1937~1960)関連の展示も充実しています。世界一美しいと称えられた「ヴェルヴ」は、フランス美術をちりばめることで、ナチスへの抵抗を表明したそうです。創刊号の表紙はマティス作で、ルオーも表紙画を描いています。マティス「ラ・フランス」(1939)には、赤のドレスをまとった堂々とした女性像が鮮やかな色彩で描かれ、フランスの誇りが感じられます。本作を掲載した「ヴェルヴ」本誌も展示されています。

第二次世界大戦をはさむ激動の時代を生きた、ふたりの画家。ナチスに家族を捕えられ困窮していたルオーに、マティスが絵具を溶く油を送ったというエピソードもあり、時代と芸術についても考えさせられます。東京での会期はあとわずかですが、あべのハルカス美術館に巡回予定です(2017年4月4日~5月28日)。

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パナソニック汐留ミュージアム

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N・S・ハルシャ展 -チャーミングな旅-

力強い色彩で水玉や網目が無限に増殖する草間彌生(1929~)の世界に対し、インド現代美術界で活躍するN・S・ハルシャ(1969~)は、やわらかな色彩でモチーフを反復して描きます。画面いっぱいにたくさんの人を描いても、同じ人は二人といません。表情、しぐさ、衣服など全て異なる人々が、世界の縮図のように描かれます。

故郷である南インドのマイスールを拠点に、人物や動物、宇宙などのモチーフをユーモラスに、またシニカルに反復して描く、N・S・ハルシャの大規模個展が森美術館で開催されています。
<会期:2017年2月4日(土)~6月11日(日)>

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表現スタイルを確立する契機となった作品は、「私たちは来て、私たちは食べ、そして私たちは眠る」(1999-2001)と題した3点組の絵画。
無数の人々がどこからか、川を渡ってやって来ます。
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人間の根源的な活動である、食べることと眠ること。眠ることは、宇宙と一体になる儀式だといいます。
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「ここに演説をしに来て」(2008)は、6枚のキャンバスに2000人以上の人が描かれています。よく見ると、フリーダ・カーロ、考える人、宇宙服を着た人、鳥人間やゾウ人間なども。
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「ピーチクパーチク」(2014)では、鳥人間が望遠鏡と顕微鏡をのぞいています。宇宙の星など、どこまでも遠くを見る望遠鏡と、細胞などどこまでも細部を探求する顕微鏡。哲学的な世界観なのかもしれません。
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「ふたたび生まれ、ふたたび死ぬ」(2013)は、全長24mを超える、大きな一筆書きのような絵画。黒の曲線の中には、宇宙の星がびっしりと描かれています。連続した宇宙空間のようにも、輪廻転生のようにも。
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インスタレーション「空を見つめる人びと」(2010)は、空を見つめる人々が床に描かれ、天井の鏡に映っています。中に立って、上を見上げると、鏡に映った人々といっしょに空を見つめているように感じられます。下の写真は天井の鏡に映った人々です。
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インドの歴史、文化、そして宇宙へのチャーミングな旅。見れば見るほど発見のある旅にいらっしゃいませんか。

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森美術館

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